David Hockney: la piscina más cara de la historia
En 2018, la obra de David Hockney, “Portrait of an Artist (Pool With Two Figures)” (1972), se convirtió en la obra más cara de un artista vivo, al ser rematada en Christie’s por 90,3 millones de dólares -comisiones incluidas. Con este nuevo pico de precio, el pintor británico desbancaba a Jeff Koons como el artista vivo más cotizado: los 58,4 millones que se pagaron, en 2013, por su “Balloon Dog” aparecen ya como una cantidad completamente obsoleta. No obstante, este honor de ser el artista vivo más caro de la historia solo le duró a Hockney un año, ya que, en 2019, la misma casa subastadora -Christies- vendió el icónico “Rabbit” (1986), de Koons, por 91 millones de dólares.
Pese a ello, la pregunta que nos hacíamos en 2018 continúa hoy vigente: ¿Qué es lo que hace de una obra como “Portrait of an Artist…” la piscina más cara de la historia? Como primer intento de explicación, se podría decir que se trata de la imagen más reconocible de toda la producción de David Hockney. No es simplemente una pintura de piscina, en la medida en que reúne en una sola imagen los dos grandes temas de su obra durante los años setenta: la piscina californiana y el retrato psicológico. Nos encontramos, por así decirlo, ante el “Hockney absoluto”, la condensación visual de todo aquello que el público identifica inmediatamente con él. Además, la obra posee una extraordinaria complejidad formal: Hockney fundió brillantemente dos sistemas pictóricos diferentes -el cuerpo sumergido y distorsionado por el agua, de una parte, y el de la figura vestida que observa desde el borde, desde el otro. El propio artista explicó que le fascinaba la posibilidad de pintar “dos figuras en estilos distintos” dentro de una misma composición.
Uno de los factores que más inciden en los récords de remate de las subastas es la excepcionalidad biográfica de la obra en cuestión. Y, en el caso de “Portrait of an Artist”, este extremo no es una excepción: el hombre, de hecho, que aparece junto a la piscina suele asociarse con Peter Schlesinger, cuya ruptura sentimental con Hockney poco antes de la realización de la obra dota a la imagen de una intensidad emocional silenciosa. La pintura se articula como una escena detenida en un instante de distancia afectiva -o enunciado de otra manera: en una “fracción de deseo suspendido”, para siempre irrealizable.