Первые иллюстрации появились еще в каменном веке – их оставили в пещерах наши предки. Но с тех пор много воды утекло. Глиняные таблички заменила бумага, а прямо сейчас на экране нашего смартфона в два клика можно получить доступ к целой галерее самых разных изображений.
Рисунки всегда помогали точнее передать смысл послания, а иногда и заменяли собой слова. Ведь еще чуть больше века назад далеко не все люди были грамотными. И именно поэтому картинки так активно использовались в народе и нередко становились инструментом пропаганды в руках властей, какими бы детскими и наивными по стилю они ни казались на первый взгляд.
Карикатуры, комиксы, графические романы, манга, манхва и маньхуа – все эти жанры представляют собой иллюстрации с подписями, но имеют ряд стилистических отличий.
Комикс и графический роман – одно и то же? Почему в Японии манга популярнее, чем кино? Чем отличаются азиатские графические истории – манга, манхва и маньхуа? Почему в США комиксы востребованы, а в России нет? Каких авторов и произведения стоит знать?
Чтобы не заблудиться, составили мини-гид, который поможет новичку разобраться в теме и найти что-то по душе.
Трудно сказать, когда появилась первая карикатура. Ведь если следовать определению, то это гротескное и юмористическое изображение сцен бытовой, политической и общественной жизни. И под эти характеристики подходит буквально все: от наскальных рисунков палеолита и античных амфор до книжных гравюр в духе Дюрера и полотен Брейгеля.
Поэтому уточним, что от прочих видов графического искусства карикатуру отличает намеренное преувеличение или искажение изображения с целью обличить какие-либо пороки. Как правило, карикатуры распространялись на листовках или полосах газет. Чаще всего они выполнены в черно-белой палитре. Расцвета карикатура достигла в XIX–XX веке в странах Европы, Скандинавии и СССР. Например, одним из самых популярных журналов с карикатурами был лондонский «Панч».
На Руси первыми карикатурами историки считают лубочные листы, которые дополнял рифмованный текст. Лубки зародились в народе, но скоро стали мощным инструментом в руках властей. Во время Отечественной войны 1812 года были популярны работы графика Ивана Теребенева, высмеивавшие Наполеона.
Позднее карикатуры публиковали в сатирических журналах, например в «Искре» и «Будильнике». В XX веке переживает подъем и агитационное искусство, в частности в форме плаката. В фильме «Шагал – Малевич» можно увидеть эпизод создания знаменитой серии плакатов «Окна сатиры РОСТА». Над ними трудились поэт Владимир Маяковский, график Дмитрий Моор, коллектив художников «Кукрыниксы» и другие знаменитые деятели культуры тех лет. Огромную популярность завоевал сатирический журнал «Крокодил». Также в Советском Союзе большой популярностью пользовались работы датского карикатуриста Херлуфа Бидструпа.
Сегодня карикатура используется редко, но чаще – именно в политических и остросоциальных целях, например, во французском сатирическом журнале Charlie Hebdo, который затрагивает темы терроризма, неравенства, политики и религии.
Под комиксами в широком смысле можно понимать любые истории в картинках, но чаще всего ими называют серии иллюстраций, созданные именно американскими и британскими авторами. Ведь это они заложили основные традиции, сформировавшие характерный и узнаваемый стиль. Значительный вклад в развитие комиксов как вида искусства внесли отцы желтой прессы Уильям Херст и Джозеф Пулитцер, которые специализировались на скандальных репортажах.
Кстати, желтой ее стали называть именно благодаря цветным сериям (большинство изданий экономило краску, выпуская черно-белые рисунки), а точнее, Желтому малышу – персонажу одноименной серии комиксов издания New York World.
Его автор Ричард Аутколт впервые применил выноски – прием в иллюстрации, показывающий слова и мысли героя, проще говоря, «облачко» с текстом. Этот элемент прижился и используется по сей день. Другой характерный прием использовал Уинзор Маккей. Речь о разрушении «четвертой стены», когда герой вдруг осознает, что за ним наблюдает читатель, и выходит из рамки навстречу или смотрит в упор.
Поначалу смешными картинками заполняли свободное пространство в воскресных выпусках, если никто не покупал полосы рекламы. Однако многие серии оказались интересными сами по себе, и Херст увеличил пространство с четырех страниц до восьми, а затем и вовсе до 16.
С тех пор комиксы превратились в самостоятельную индустрию, приносящую миллиарды долларов. Их регулярно экранизируют, а фанатская культура косплея и Comic Con только усиливают их популярность. Условно историю комиксов делят на «Золотой век» (1938–1955), «Серебряный век» (1956–1972), «Бронзовый век» (1973–1985) и «Темный век» (с 1986 по настоящее время).
В «Золотом веке» комиксы становятся элементом поп-культуры, все дальше уходя от карикатуры в авторское графическое искусство. Истории становятся многожанровыми: вестерны, боевики, ужасы, фантастика, детективы и отдельно истории о супергероях – Супермене, Бэтмене, Капитане Америка и других. Истории затрагивают темы Второй мировой войны и нацизма.
«Серебряный век» характерен экспансией рынка. Помимо DC Comics появляются такие издания, как Marvel, Dark Horse, Image Comics. На арену выходят такие знаменитые авторы комиксов, как Стэн Ли, Джек Кирби и Стив Дитко. Комиксы «Бронзового века» отличаются более реалистичными сюжетами и взрослыми темами, среди которых проблема алкоголизма и загрязнение окружающей среды. Чтобы понять, какие комиксы делают сегодня, достаточно посмотреть на выпуски импринта Vertigo (импринтом называют подразделение издательства – в данном случае DC Comics – с миссией, отличающейся от основной политики издания – Прим. ред.). Значимое место занимают работы Алана Мура «Джон Константин: Посланник ада», «Хранители», «V – значит вендетта» и «Болотная тварь», а также «Песочный человек» Нила Геймана и «Трансметрополитен» Уоррена Эллиса. В них много черного юмора, абсурда, цинизма, жестокости, а будущее зачастую мрачное.
Кстати, сегодня комиксы появляются и за пределами США. Например, на российском рынке представлены работы авторов из издательства Bubble Comics и «Комикс Паблишер». Большой популярностью пользуется серия о Майоре Громе, которая была не раз экранизирована. Несмотря на то что российские комиксы стилизованы под американскую и японскую традиции (манга), сюжеты и персонажи отсылают к национальному фольклору, истории и быту страны.
Франко-бельгийскую, канадскую и латиноамериканскую традиции комиксов называют графическими романами (bandes dessinées). И хотя на первый взгляд они похожи на комиксы, эти работы имеют ряд существенных отличий. Во-первых, они изначально выходили в иллюстрированных журналах, а не как приложение к газете.
Во-вторых, графические новеллы представляют собой самостоятельное и законченное произведение в отличие от комиксов, которые могут длиться годами, как сериал. Поэтому выходят графические романы целиком и в твердой обложке, как книги. Обычно для печати используется мелованная или глянцевая бумага. Сами выпуски можно найти как в черно-белой, так и в цветной версии. По сравнению с комиксами графические романы стоят дорого, поскольку требуют высокого качества печати.
Сюжеты графических романов ориентированы скорее на взрослую аудиторию, и не только потому, что затрагивают темы 18+. Авторы графических новелл поднимают метафизические и интеллектуальные вопросы, которые сложны для восприятия и могут иметь несколько интерпретаций. Здесь можно найти отсылки к священным текстам, литературе, поп-культуре и многому другому. При этом сами рисунки напоминают полотна сюрреалистов, где герои пребывают между сном и явью или вообще в какой-то параллельной вселенной.
Неподготовленный читатель может решить, что автор сошел с ума, и посчитать истории бредом из-за обилия абсурдных ситуаций, фантастических терминов и часто странного языка. Дело в том, что изначально графические романы были ориентированы на ограниченную аудиторию, художники в них открыто экспериментируют со стилем, «монтажом» повествования и специфическим языком, будто посылая зашифрованное сообщение инопланетянам. Доказательство тому – работы французского художника Жана Жиро, известного под псевдонимом Мебиус (Moebius).
Мировое признание получил его графический роман «Арзак», выходивший в журнале Métal Hurlant. В нем вообще нет слов, а сюжет чисто интуитивный, напоминающий медитацию. Загадочный всадник на птероиде (существе, похожем на птеродактиля) путешествует по пустыне «Б», которая является всем и ничем. В пути он отбивается от хищной травы, пожирающей звезды, паукообразных роботов, существ из других измерений и спасает принцессу из башни, в которой живут хищные тени.
Франко-чилийский режиссер с русско-еврейскими корнями и автор неснятой «Дюны» Алехандро Ходоровски не раз становился сценаристом графических романов. Вместе с Мебиусом он создал грандиозный «Инкал» и «Герметический гараж», с Хуаном Хименесом – мрачную сагу «Метабароны», с Фредом Бельтраном – технократический «Мегалекс», с ним же и Зораном Янетовым – «Техносвященники», с Жоржем Бессом – «Белый лама». Эти работы оставили большой след в современной культуре. Например, сцена падения Джона Дифула в «Инкале» была позаимствована Люком Бессоном для «Пятого элемента», когда Лилу прыгнула с высоты и врезалась в летающее такси. И конечно, эти раскадровки неснятой «Дюны», сделанные Мебиусом и Хансом Гигером, легли в основу многих фильмов, в том числе «Звездных войн» и «Чужого».
При этом в большинстве случаев, когда речь идет о франкоязычных графических новеллах, первым делом вспоминаются такие знаменитые работы, как «Приключения Астерикса» Рене Госинни и Альбера Удерзо, «Приключения Тинтина» Эрже и «Валериан» Пьера Кристена.
Манга в том виде, в каком мы ее знаем, возникла в Японии под влиянием американских комиксов, наводнивших издательский рынок после поражения страны во Второй мировой войне. И как бы ни было грустно, но с тех пор труд японских художников нещадно эксплуатировался. Причем не только США, но и странами Европы, и СССР. В основном японцы отрисовывали фоны, что считается довольно утомительной, «конвейерной» и не творческой работой. Платили им очень мало, но, как ни странно, из-за большого количества заказов трудоголики-аниматоры отточили свое мастерство и сегодня признаны лучшими во всем мире. Самые известные – Хаяо Миядзаки, Макото Синкай, Сатоси Кон и Исао Такахата. Достаточно посмотреть на то, как прорисована каждая деталь в манге и аниме, которые, как мы убедимся, неразрывно связаны.
Художников, рисующих мангу, называют мангаками. Выходит манга либо сериями в журнале наряду с другими иллюстрированными историями, либо в формате танкобона – книги-сборника в мягкой (редко твердой) обложке. И важный нюанс – читаются они справа налево, начиная с верхнего правого угла и закачивая нижним левым.
Вообще, в Японии истории в картинках появились еще в XII веке, когда буддийский монах Тоба Содзе пародировал чиновников, высший свет и представителей религии в образах животных. Позднее сатирические зарисовки использовались в разные времена для пропаганды.
Существует несколько версий перевода иероглифов слова «манга», но чаще всего используются варианты «гротески», «причудливые (случайные) картинки» или «странные (веселые) картинки». Само слово впервые стали употреблять в конце XVIII – начале XIX века. Первое, что бросается в глаза, – стилистическое отличие манги от западных комиксов. В основу японской традиции комиксов легли гравюры укие-э Кацусики Хокусая и традиционные работы художников Канкэя Судзуки, Санто Кедена и других.
Параллельно с комиксами японцы познакомились с мультфильмами Disney и Looney Tunes. Мультипликатор Осаму Тэдзука обратил внимание, что большинство милых и добрых героев, в особенности дети и животные, например олененок Бэмби, имеют большие выразительные глаза. Вдохновившись этой идеей, он специально начал рисовать персонажей с непропорционально большими глазами, носом-черточкой и тонкой линией рта, видимой отчетливо только при разговоре. Стиль Тэдзуки быстро переняли другие художники, и скоро он стал неотъемлемым атрибутом изображения персонажей в манге и аниме.
Характерной чертой также является изображение персонажей в стиле тиби, который используется для передачи конкретных эмоций. Обычно, если героиня скрывает, что думает, мы можем увидеть, как ее уменьшенная копия с гипертрофированно большой головой и тонкими конечностями говорит капризным или милым голосом. Например, в аниме по одноименной манге «Темный дворецкий» Яны Тобосо есть персонаж-эконом Танака, который в разгар спора становится уменьшенной копией-тиби – она пьет чай, символизируя душевное спокойствие и отстраненность.
В Японии мангу читают не только дети, но и взрослые. Объясняется это тем, что большинство аниме основано на манге. Кроме того, манга предназначена для разных возрастных аудиторий: кодомо – для детей, сенэн – для юношей-подростков с 12 до 18 лет, седзе – для девочек-подростков того же возраста и так далее. Все они имеют ряд отличительных черт и затрагивают те или иные темы в соответствии с возрастными ограничениями.
Манга бывает самых разных жанров, в том числе и чисто специфических для страны. Например, меха – поджанр, в котором главными действующими лицами являются человекоподобные машины и шагоходы. В «Евангелионе» Есиюки Садамото такой металлический каркас носят дети-подростки и главный герой Синдзи-Икари, чтобы противостоять Ангелам, которые по неизвестным причинам атакуют планету. Вообще герои-подростки часто являются центром истории, как в «Атаке титанов» и «Тетради смерти».
Популярность манги и аниме способствовала появлению 1990-х отаку – так называют страстно увлеченных людей. Они часто собираются в мэйдо-кафе, игровых клубах или на конкурсах косплея, где переодеваются в любимых персонажей. Например, образы героев повлияли на внешний облик представителей субкультуры вижуал кэй и продолжают вдохновлять артистов за пределами страны, например k-pop-айдолов.
Сегодня можно найти мангу самых разных жанров. Особенно популярны истории о школе («Хоримия») и повседневности («Тетрадь дружбы Нацумэ»). Признанной классикой остаются такие серии, как «Ван-Пис», «Блич», «Красавица воин Сейлор Мун», «Наруто».
Манхва, или корейские комиксы, появились в период с 1910 по 1945 год, когда народ активно использовал пропагандистские листовки в борьбе против Японии. Во время японской оккупации манхва подверглась цензуре и была запрещена. Лишь в 1960–1970-е годы искусство иллюстрации начало возрождение.
В 1983 году корейский автор Ким Су Чжон нарисовал детскую историю о динозаврике Дули, которая стала мультфильмом, получившим признание сначала в Южной Корее, а затем и в Европе. До сих пор Дули остается главным персонажем в южнокорейской анимации.
Стилистически манхва похожа на мангу. Правда, корейские художники, которых называют манхвагами, больше внимания уделяют прорисовыванию деталей, например как в «Фиолетовом гиацинте», «Песне куклы» и «Благородство».
В отличие от японской манги читают манхву слева направо, как комиксы. Если в Японии мангу покупают именно в печатном виде, то в Южной Корее, напротив, с развитием Интернета начали набирать популярность вебтуны, то есть цифровая версия. Поэтому на просторах Интернета нередко можно найти вытянутую манхву – так ее удобнее листать сверху вниз на смартфоне.
Если японская манга стала известна во всем мире благодаря аниме, то корейские вебтуны обрели популярность благодаря дорамам, снятым по их сюжетам. Например, экранизации вебтунов «Сыр в мышеловке», «Незнакомцы из ада», «Случайно найденный Ха Ру», «Мистический бар на колесах», «Что случилось с секретарем Ким?», «Истинная красота», «Итхэвон Класс», «Любовный сигнал» и другие. При этом южнокорейских мультфильмов, снятых по манхве, почти нет.
Маньхуа – это комиксы Китая, Тайваня, Гонконга и Сингапура. Изначально жанр возник в Китае XIX века и получил распространение в период войны с японцами. Иллюстрации ожидаемо использовались для пропаганды. С началом культурной революции популярность традиционной китайской маньхуа спала, зато тайваньская и гонконгская продолжали издаваться в виду особых политических условий, испытав на себе влияние японской манги.
Как и в Южной Корее, маньхуа интересна лишь в контексте китайских дорам. Ее больше читают на внутреннем рынке, чем за пределами страны. Возможно, дело также в том, что маньхуа почти не адаптируют по мультфильмам, которые, вероятно, можно было бы делать на экспорт ради прибыли.
Доказательство тому – «Благословение небожителей» Мосян Тунсю, которое получило популярность за пределами Китая благодаря дунхуа (китайскому аниме). Самих художников маньхуа называют маньхуацзя.
Чаще всего китайцы обращаются к традиционным сюжетам, основанным на конфуцианстве и народных сказаниях, историческим событиям и фэнтези. Например, маньхуа «Огненный феникс опаляет равнины» отсылает к знаменитому эпосу «Троецарствие» Ло Гуаньчжуна, рассказывающему о соперничестве китайских королевств Вэй, Шу и Ву. В отличие от оригинала маньхуа делает героев истории более реалистичными, а также поражает детальной прорисовкой экшн-сцен.
В маньхуа мы не раз увидим, как сверхъестественные существа вмешиваются в судьбы обычных смертных. Сюжеты про «попаданцев» – персонажей из другого времени очень популярны в комиксах Азии, например, в маньхуа «Злодейка отказывается флиртовать с Главным Героем», «Сказание о бессмертных и го» и «Сказание о демонах и богах».
Как видим, истории в картинках ведут свою историю с давних времен. Пожалуй, это искусство обошло в силу политических, религиозных и географических причин разве что мусульманские страны, в которых изображение людей табуировано, и государства африканского континента. Азиатские комиксы, хотя и испытали на себе сильную вестернизацию, но сохранили собственный уникальный стиль, основанный на традициях. Если авторы комиксов и графических романов более свободны в выборе тем, то карикатуристы становились востребованы в условиях жесткой политической цензуры, особенно в монархических и коммунистических государствах Европы, например, странах Скандинавии, нацистской Германии и СССР.
Запись Графические романы, манга, манхва, карикатура и комиксы: чем отличаются впервые появилась PEOPLETALK.
