Припомните, когда вы в последний раз бывали в театре? Наверняка это было давно, ещё в «доковидные времена». Но к счастью, этот досадный факт вскоре можно будет исправить. В Рязанском музыкальном театре, например, уже 12 сентября состоится премьера мюзикла «Алые паруса». И сегодня у нас есть прекрасная возможность пообщаться с художником по костюмам, работавшим над этой постановкой, – с Валентиной Александровной Комоловой. – Валентина Александровна, расскажите о работе над костюмами к мюзиклу «Алые паруса». – Я очень рада работать с Рязанским музыкальным театром и с этой постановкой. Жанр мюзикла обуславливает и приёмы, и подход к созданию костюмов. Нужно учитывать современные направления, замечательное оформление сцены, режиссуру. Музыкальный спектакль отличается от драматического своим романтическим духом. Здесь нужно и соблюсти традиции, и показать новое прочтение известной темы, выразить современное отношение к персонажам. Заранее трудно сказать, как это должно быть. Это наше совместное творчество, совместное с режиссёром видение. Я надеюсь, что это будет традиционность в сочетании с современным подходом, поэзия в сочетании с реальностью. – Что вас вдохновило на создание именно таких костюмов? Что обычно вдохновляет? – Я очень люблю свою работу, люблю придумывать, сочинять при мощи ткани. Меня вдохновляет сочетание разных возможностей, техник и приёмов. А моё вдохновение передаётся всем участникам процесса. Костюм – это не просто жакет, юбка, блузка. Всё это должно быть приёмом создания цельного образа. Это не просто одежда, но и душа, и мысли, и чувства. «Алые паруса» – это интереснейший выбор. Меня очень вдохновило цветовое оформление. Тёмные тона, драматизм в волнах, ветер – всё это говорит о том, что перед нами не «сахарная» история. Несмотря на романтическую идею о влюблённой девушке, которая лежит на поверхности, «Алые паруса» полны глубины и драматизма. – Что самое главное в процессе создания костюма? – В работе художника по костюмам важны опыт, понимание технологии создания костюма, знание истории искусства, музыкальное образование. На мой взгляд, самое интересное в нашей профессии – изобрести театральный ход, идею, пробудить воображение зрителя, а не дать ему готовое решение. Это тот самый витамин, который меня держит всю жизнь в этой профессии. – А может ли большой опыт сыграть негативную роль? Это, например, не первые «Алые паруса», которые увидят свет. Как избежать повторов – и других, и себя? Или можно повторяться? – Костюмы бывают очень разные – формальные, активные, пассивные, монохромные. В русской истории сочинения костюмов принято к каждому спектаклю придумывать свои образы и решения. И даже если вы ставите спектакль по одному произведению в разных театрах, костюмы не должны повторяться. Нужна определённая изобретательность, чтобы создать костюмы именно для этого театра, для этих актёров. Но если вы обогащены идеей спектакля, вам нестрашно повториться или быть повторённым. – При создании костюма вы отталкиваетесь от персонажа или от актёра, который будет исполнять эту роль? – В первую очередь я отталкиваюсь от своих представлений об этой сцене и об этом произведении, потому что решение должно быть цельным, должно гармонично входить в ткань спектакля, а не ориентироваться на одного персонажа. – Может ли артист вмешиваться в создание костюма, не принимать ваши идеи и предлагать свои варианты? –Такие моменты бывали в моей практике в самом начале. Мы это обсуждаем. Я всегда стараюсь узнать человека, актёра, присмотреться и прислушаться к нему – не только к внешности, но и к личности. – Вы работали над спектаклями в драматических и музыкальных театрах России, Англии, Канады, Израиля, Японии. Есть ли принципиальные отличия в работе в театрах в России и заграницей? – Разница колоссальная. Она, прежде всего, заложена в разном понимании образов, разной ментальности. Например, Винни-Пух у нас и за границей – совершенно разные. Дело не в том, что где-то работать труднее, а где-то проще. Дело в разной философии. – Какие спектакли в вашей богатейшей биографии вы можете выделить особенно? – Конечно, это работы в Ленкоме, во МХАТе. Для меня это знаковые вещи. (Прим. ред.: Валентина Комолова создала костюмы для легендарных спектаклей театра «Ленком»: «Юнона и Авось», «Поминальная молитва», «Гамлет», «Чайка», «Оптимистическая трагедия», «Безумный день, или Женитьба Фигаро», оформляла спектакли в МХТ им. Чехова, Театре на Малой Бронной, Театре им. Вахтангова, Театре им. Моссовета, Театре им. Маяковского, в Малом театре, РАМТе). Долгое время я сотрудничала с израильским театром «Гешер». Мы с режиссёром Евгением Арье были на одной волне понимания того, что такое театр, спектакль, решение образов. И таких примеров у меня много. Я очень довольна своей творческой судьбой. – В одном из интервью вы сказали, что художник по костюмам должен быть игроком. А вам когда-нибудь приходилось проигрывать в этой игре? – Это же можно сказать о многих творческих профессиях. Все они сопряжены с риском проиграть. Театр – это и есть игра. А мне приходилось не проигрывать, а испытывать неудовлетворённость собой. Но это присутствует в опыте почти всех творцов. И пройти по такому пути – тоже полезно. – Вопрос про роль мечты часто задают актёрам и режиссёрам. А у художника по костюму есть такая заветная история – герой или пьеса, над которыми хотелось бы поработать? – Моя мечта блуждает. Лет 10 назад у меня была одна мечта, лет 20 назад – другая. Если обобщить, то для меня ценностью является живопись. Решить живописную картину спектакля через вещи, ткани, инструменты, прийти к тому, чтобы картинка была красивой, – для меня и высшая задача, и самая интересная игра.
