Roxana Amed: “Si vas a ser complaciente con las reglas, entonces no estás haciendo jazz ni rock”

Como un disco vertiginoso, profundamente anclado en el sentimiento de la argentinidad. Esos son algunos de los ejes que describen el espíritu de “Todos los fuegos“, el más reciente larga duración de la jazzista trasandina Roxana Amed y que revisita una serie de himnos del cancionero sudamericano en clave jazz.

Un viaje que, en palabras de la misma artista, respondió a una suerte de urgencia por volver a conectar con ese arraigo tras varias décadas viviendo en el extranjero. “Antes de ser productora o música, soy argentina. Y una que no vive más en su país. Es como si te pusieras anteojos de otro color y todo empezara a tener otro relieve”, explicó Amed.

“En algunos discos y conciertos, sobre todo, ya había hecho algunas cosas de rock argentino, pero me quedaba pendiente abordar el repertorio, el corpus. Decir ‘ok, vamos a acercarnos a esta historia, a esta pieza del engranaje de lo que es la cultura musical y general argentina. Y me dio una cosa de golpe en octubre. Me pareció que era el momento de mi vida en el que eso tenía que pasar. Todos mis discos son muy distintos entre sí. Hay algunos en los que he hecho música original para poesía, otros que son todos de música original, también muy autobiográficos, de folclore con mezclas, y me faltaba uno que abordara un sonido dedicado a servir al rock argentino“, añadió la jazzista.

Todo esto, a través de un impulso proveniente de lo emocional y “la historia musical. Porque casi todos los músicos empezamos a tocar y a cantar con ellos. Yo partí con lo clásico, desde los cuatro años, cuando aprendí a tocar piano. Pero, después, lo que sacaba eran algunas canciones de folclore y de Charly García. Tenía 10, 11 años. Y a eso se suma el valor verbal del rock. Así como la gente mayor habla citando al tango, nosotros hablamos como dice el rock. Está metido en tu ADN”.

Contexto que explica la importancia que tuvo el proceso de curaduría de las canciones que serían versionadas en este disco, y cuyo factor en común tiene que ver, justamente, con el reconocimiento de un elemento jazz y disruptivo en su esencia. Así, Luis Alberto Spinetta, García, Gustavo Cerati y Fito Páez fueron los ídolos seleccionados.

“Tenía que elegir canciones que tuvieran este peso histórico y autobiográfico y, al mismo tiempo, algún germen de rareza, por decirlo así. Que no fueran demasiado previsibles. No tanto como el pop, que se caracteriza por cierta predictibilidad y que es lo que lo hace comercial, popular y masivo. Y enhorabuena, me alegro por ello. Me parece bárbaro. Aunque no es mi caso, respeto mucho a la gente y me gusta que se enganchen”, explicó Amed.

“No quiero hacer cosas raras y que la gente diga ‘¿qué está pasando?’. Por eso había que buscar temas que fueran raros, pero que estuvieran, de algún modo, en la construcción de nuestra memoria musical“, añadió. Y en eso, destacó el cruce entre masividad e innovación conquistado por estos artistas. “Tenían que ser canciones populares. Si no, no hay magia. Si yo agarro una composición que no conoce nadie, quien escucha no sabe si estoy logrando ese pequeño puente hacia otro sonido. Por eso debían ser de autores populares, que explotaran su propia originalidad y virtud. Eso es lo que me enorgullece tanto. Esto es lo que somos”.

“Hace muchos años me preguntaban acá, en Estados Unidos, qué era lo que estaba cantando. Era algo de Spinetta. Y yo respondí ‘eso es Argentina‘. Porque lo veo en mis colegas, en nuestra forma de tocar, de cantar, en muchos músicos de jazz argentinos que nos quedamos moldeados en el spinettianismo“, condensó. “Y más allá de que ellos hayan nacido en Argentina, esto es patrimonio del sur de Latinoamérica”.

La rebeldía como un puente

De hecho, eso es, justamente, lo que Amed reconoce como el principal puente que conecta jazz y rock: “Hay varios puntos donde, si uno pone el escáner jazzístico, se pueden ver ciertas estructuras instrumentales o partes vocales sin letra, como el final de ‘Salir de la melancolía‘, ‘Asilo en tu corazón‘ o ‘Dejaste ver tu corazón‘, de Fito. Ahí se detecta otra capa de lenguaje, pero que, a la vez, siento que convive bien con la canción”.

“‘Salir de la melancolía’ tiene una introducción impensable para un cantante de rock. Y Charly lo canta perfecto, sin autotune ni nada. Es muy pianístico. Y la gente lo tararea, lo reconoce. Mirá hasta qué punto nos formatearon la manera de entender la música estos autores. Salimos así y no nos asustamos por nada. Eso, en este pop un poco predecible que hay hoy en todo el mundo, es impensable. Y, en aquel momento, Serú Girán era la gente. Que entendía, escuchaba esto, lo cantaba. Los chicos aprendían a tocar los instrumentos con esas cosas locas, y a ninguno de nosotros se nos movía un pelo. Eso me parece que es importante”, evocó.

Algo que también detecta en su género madre. “El jazz empezó estableciendo estructuras. Y a medida que pasaban las décadas, eso fue transformándose y transformándose. Siempre había un riesgo de sorprender y, a veces, más de lo que la gente podía realmente procesar. Pero la idea era innovar. Ese es el gran legado africano: una actitud completamente desprendida de reproducir estructuras. Mucha gente piensa que el jazz es cantar standards, seguir cantando ‘Fly me to the moon’, pero no”.

“El jazz tiene que romper alguna predictibilidad. Lo predecible no va con esto. Y el rock también, a lo mejor de un modo más louder, con más volumen, con un poco más de esa cosa salvaje, pero tiene que romper estructuras. En el caso de estos músicos, ellos tuvieron el talento para romper estructuras sociales y musicales y, además, ser artistas. Muchas veces te vas a encontrar con que hay rockeros que lo único que hacen es romper estructuras y no dejan ningún legado musical ni poético. Y estos cuatro dejan todo. Por eso es tan importante señalar que ambos géneros comparten esto, de que, si se repite algo, si vas a ser complaciente con las reglas de alguien, entonces no estás haciendo ni jazz ni rock“, concluyó.